획기적인 발전
스트라빈스키의 음악적 발전은 그의 초기 교육과 영향으로부터 시작됩니다. 1882년에 러시아에서 태어난, 그는 그의 음악가 아버지와 피아니스트 마마로부터 들었던, 어린 나이부터 음악에 노출되었습니다. 그의 초기 교육은 피아노와 음악 명제에 집중했고, 그는 러시아 전통 음악 교육에 들어갔습니다. 스트라빈스키는 여전히, 곧 전통적인 경계들을 넘어서기 시작했습니다. 그의 음악 여행에서 중요한 전환점은 니콜라이 림스키-코르사코프와의 만남이었습니다. 림스키-코르사코프는 스트라빈스키에게 서양 고전 음악의 기초들을 지도했고, 이것은 스트라빈스키가 그만의 음악적인 기초를 확립하도록 이끌었습니다. 여전히, 그는 전통에 머물지 않고, 새로운 소리들과 구조들을 탐구하기 시작했습니다. 스트라빈스키의 가장 중요한 걸작들 중 하나인 불새는 음악적인 확신에서 그의 관심을 촉발시켰습니다. 이 작품은 전통적인 음악 형태를 넘어서는 새로운 음악적인 표현들을 시도하기 위해 전통적인 러시아 민속 음악을 교향곡의 혁신적인 사용과 결합했습니다. 불새는 1910년에 초연되었고, 그것은 그 당시 음악적인 열정에 크게 반향을 일으켰습니다. 또한 1911년에 출판된 페트루시카는 스트라빈스키의 창조성과 실험적인 정신을 더욱 강조했습니다. 그 작품은 음악에 있어서 스트라빈스키의 선구적인 새로운 길에 중요한 역할을 했던 미터와 공기의 복잡한 조합을 통해 전통 발레 음악의 틀을 깨뜨렸습니다. 페트루시카는 그의 독창적인 스타일을 확립하는데 크게 기여했습니다. 스트라빈스키의 걸작들 중 하나인 봄의례는 음악 역사에 있어서 가장 혁신적인 작업장들 중 하나로 여겨집니다. 1913년 파리에서 초연되었고, 그것은 그 당시 문화에 충격을 주었고 음악적인 간절함에 있어서 큰 논쟁을 일으켰습니다. 봄의례는 완전히 음악적인 구조물이 되는 혁신적인 조치들, 차임들, 그리고 격렬한 단결을 특징으로 합니다. 이 작품은 현대 음악에 대한 새로운 가능성들을 열었고, 후기 멜로디스트들에게 큰 영감을 주었습니다. 특히, 스트라빈스키는 이 작품을 통해 존재하는 음악적인 형식에 도전하는 히스테리적이지 않고 그만의 독창적인 스타일을 확립했습니다. 봄의 축제는 스트라빈스키의 음악적 발명의 정점에 있으며, 그의 음악적 유산을 대표하는 중요한 작품입니다.
디아길레프와의 협력
스트라빈스키의 음악 여행에서 가장 중요한 협력들 중 하나는 러시아 발레단의 작가인 세르게이 디아길레프와의 것이었습니다. 디아길레프는 스트라빈스키의 초기 경력을 크게 이야기했고 그가 초국가적인 명성을 얻는데 필요했습니다. 둘의 협력은 1910년에 있었던 발레 불새와 함께 시작되었고, 페트루슈카와 봄의 축제로 이어졌습니다. 디아길레프는 스트라빈스키에게 그의 창조성을 극대화할 수 있는 문화적 자유를 주었습니다. 게다가, 디아길레프의 영리함과 계획적인 부분들이 스트라빈스키의 작품이 더 빛을 발하도록 도왔습니다. 그들의 협력은 단순히 음악가와 후원자 사이의 관계를 넘어, 그들은 문화적인 동반자로서 서로의 창조적인 과정을 깊이 이해하고 존중하는 관계로 발전했습니다. 디아길레프 외에도, 스트라빈스키는 그의 발레 음악을 완성하기 위해 다방면의 안무가들과 함께 밴드를 만들었습니다. 그들 중, 바슬라프 니진스키와 조지 발란친과의 그의 협력은 특히 두드러졌습니다. 그의 혁신적인 예술 작품으로 평가되었던 봄의 축제에서 그 당시의 음악과 코틸리온 사이의 경계를 허물며 왕관을 썼습니다. 니진스키는 그 당시 컬트에 충격을 주었던 스트라빈스키의 음악에 맞춰 독특하고 혁신적인 안무를 선보였습니다. 또한, 스트라빈스키는 조지 발란친과도 긴밀한 협력 관계를 유지했습니다. 발란친은 스트라빈스키의 음악을 무대 위에 시각적으로 구현하는 뛰어난 능력을 보여주었고, 그 둘은 함께 다방면의 발레 작업장을 제작했습니다. 그들의 협력은 스트라빈스키의 음악적인 생각이 무대에서 더 생생하게 표현되도록 도왔습니다. 스트라빈스키는 음악가들뿐만 아니라, 펜과 시각 예술가들과도 협력하여 활동했습니다. 그들 중, 장 콕토와 파블로 피카소의 협력이 특히 중요합니다. 스트라빈스키와 콕토는 음악, 문학과 연극이 결합된 새로운 형태의 작품을 제작하기 위해 병정 이야기에서 밴드를 했습니다. 게다가, 스트라빈스키는 풀시넬라를 제작하기 위해 피카소와도 협력했습니다. 피카소는 이 작품의 무대 디자인과 의상을 담당했고, 그의 독창적인 시각적 해석은 스트라빈스키의 음악과 완벽한 조화를 이루었습니다. 화려한 예술가들과의 이러한 협업은 스트라빈스키의 작품 세계를 더욱 풍성하고 다양하게 만들었고, 그의 음악적 경계를 넓히는데 크게 기여했습니다.
후기 작품
스트라빈스키의 워크숍 이후의 가장 두드러진 특징 중 하나는 신고전주의입니다. 1920년대를 시작으로, 이 시기는 스트라빈스키가 고전주의와 바로크 시대의 음악적 기초를 초현대적 감각으로 재해석한 시기로, 그의 음악적 언어는 새로운 방향을 잡았습니다. 이 시기의 주요 워크숍으로는 풀시넬라, 오이디푸스 렉스, 페르세포네 등이 있습니다. 풀시넬라는 18세기 이탈리아 음악가 페르골레시의 음악을 기반으로 한 작품으로, 그는 이를 초현대적이고 독창적인 방식으로 전환시켰습니다. 그의 신고전주의 워크숍은 초현대주의가 역사의 음악적 형태와 구조를 재해석함으로써, 새로운 음악적 가능성을 모색했습니다. 이 접근법은 단순히 역사의 음악을 모방하는 것이 아니라, 그가 자신의 독창적인 스타일을 유지하면서도 전통에 감탄하는 방식으로 이루어졌습니다. 스트라빈스키의 워크숍 이후의 또 다른 중요한 점은 12음 패션의 서문입니다. 1950년대에 그는 아놀드 쇤베르크가 창조한 12음 패션을 탐구하기 시작했습니다. 이 패션은 전통적인 작곡을 넘어, 모든 음을 역으로 사용하는 방식으로 스트라빈스키의 음악적 언어에 새로운 차원을 더했습니다. 대표적인 작품으로는 캐논, 세레나데, 아곤 등이 있습니다. 스트라빈스키는 12음 패션의 대표적인 사례로, 고전 발레 형식을 초현대적으로 재해석한 작품입니다. 이 작품은 신고전주의와 12음 패션이 결합된 그의 독특한 스타일을 보여주며, 그의 음악적 정교함을 잘 보여줍니다. 스트라빈스키의 워크숍 이후, 종교적인 주제와 의식 음악에 대한 관심도 두드러졌습니다. 그는 종교적인 신념을 기반으로 한 여러 워크숍을 작곡했고, 이는 그의 음악적 깊이를 더했습니다. 대표적인 작품으로는 칸티쿰, 레퀴엠 칸티클레스 장조, 심포니 등이 있습니다. 고려는 라틴어 성경 구절. 이 작품은 스트라빈스키의 종교적 존경심을 표현하고, 그의 작업장 이후에 종교적 기초가 어떻게 반영되었는지를 보여줍니다. Lesquiem Canticles는 지루하면서도 폭력적인 종교적 감성을 담고 있는 그의 마지막 걸작입니다. 이 작업장들은 스트라빈스키의 음악 여행이 단순히 시간적 영역에 머무르지 않고 정신적인 이해로 확장되었음을 보여줍니다.